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上一世，大卫…斯雷德的镜头运用并不精妙，但效果却十分出色，他大量运用放大特写，许多画面之中，两位主角的脸部表情将整个画面填满，仅仅只有不到四分之一的空间留给了背景画面，所以大卫利用了红色的墙面来强化这种情绪冲突的感觉。
这样的做法，成功之处就在于将演员的情绪放大到极致，而且无形之中制造了一种难以言喻的压迫感，导致整个观影过程都十分压抑；但缺点也十分明显，缺少人物的挖掘，也缺少角色关系的勾勒，更缺少了对空间的利用。
可以说，大卫对于镜头运用没有一个清晰思路，有时候一些镜头拍摄出来觉得好看了，他就直接用了，并没有专门的构思，更没有精心的设计。利用镜头的构图方式、运行轨迹和切换角度等等，达到情绪引导、故事铺垫、心理暗示等目的，在这方面，墨西哥导演亚历桑德罗…冈萨雷斯…伊纳里图（alejandro…gonzalez…inarritu）堪称杰出代表，尤其是他的集大成之作“鸟人”和“荒野猎人”。
原版之中的特写镜头，兰斯不打算放弃，但兰斯却希望更多运用中景、乃至全景，将海莉和杰夫之间的关系更加立体化地表现出来。尤其是猎人与猎物之间的关系转变，可以用全景镜头的空间感呈现出来。
“海登，你知道，海莉刚刚抵达杰夫家时，她是紧张的，甚至是紧绷的，但相反，杰夫却感觉十分舒适，这就是他的地盘。我不希望用太多琐碎的镜头，而是将两个人之间这种关系展现出来。”兰斯托着下巴，不断想出方案，然后又自己推翻，最终还是决定和海登交换一下意见。
对于如此模式，海登已经习惯了，他扫视了一下全场，“你觉得用一个长镜头来表现，怎么样？迈克尔，艾伦，你们可以示范一下吗？你们两个刚刚来到迈克尔家，一个是主人，一个是客人。”海登扬声喊到，可是艾伦还是不太习惯，有些摸不着头绪。
兰斯插话说到，“艾玛，你代替艾伦，走位看看。”
艾玛干脆地应了一声，然后小跑到迈克尔身边，给了艾伦一个安慰的眼神，紧接着就和迈克尔示范起来。艾玛反复阅读过“水果硬糖”的剧本，所以一下就明白了兰斯的要求，一边参观着屋子，一边低声向迈克尔解释起来。
海登没有理会艾玛和迈克尔的交谈，而是开始比划起来，“我们可以以后退的方式，从两个人进入屋子以来，一路跟拍，然后跟随着海莉的脚步，参观着整个屋子，在海莉的身后，杰夫一边对话着，一边打开冰箱为海莉倒水，利用海莉动作的不安和杰夫声音的自如形成对比……”
长镜头诞生之初，最大的特点就是强调真实，真实地将空间、时间以及人物呈现出来，但伴随着电影艺术的发展，长镜头赋予了更多意义。现在使用长镜头，更多是展现出一个盛大场景之下，错综复杂的人物关系以及同步发生的起承转合，“赎罪”里四分半钟敦刻尔克大撤退的长镜头、“鸟人”里将近十分钟百老汇台前幕后的长镜头，都是如此。
兰斯摇了摇头，打断了海登的话语，“我正在考虑，阉割的部分用长镜头，将静态之下杰夫的情绪变化与海莉忙进忙出的动态形成对比，充分利用整个空间感，将那种折磨推向极致。不过，我不太确定。”
长镜头无疑是所有拍摄手法之中最简单的一种，只需要一台摄像机、一个三脚架，固定不动，就可以完成静态长镜头了；但同时长镜头也是所有拍摄手法之中最复杂、最困难的一种，因为蒙太奇完全可以通过剪辑来完成镜头拼接，但移动之中的长镜头却必须将空间、时间的变化考虑进入。所以，不要轻易使用长镜头，一旦使用了，就要做到最好。
“我的意思是，我想要突出整个空间里的对峙感，杰夫就是猎人，而海莉则是猎物。此时，猎物进入了陷阱之中，猎人则得意洋洋、轻松自如地在陷阱周围踱步，欣赏着猎物的最后挣扎，然后开始一点一点引/诱猎物放松警惕，主动奉献自己。所以，空间感十分重要，但猎人和猎物的心态也很重要。”
现在兰斯对电影的理解更近一层，镜头就是导演的眼睛，真正出色的电影其实每一个镜头都是精心设计思考的，而不是说“好像这样拍摄挺好看的”，于是就这样拍了。即使是商业电影，俯拍、仰拍、航拍……近景、中景、远景……不同镜头产生的视觉效果都是不同的，比如说迈克尔…贝在“珍珠港”之中洋洋自得的“炸弹视角”就十分特别，罕见地以飞机抛下的炸弹为视角，拍摄地面上人群的惊慌失措，最后将爆炸呈现出来。
所以，兰斯看待镜头的方法方式也发生了变化。如果说以前的作品只是凭借着经验和本/能去运用镜头，那么现在兰斯就清楚明白地知道自己在做什么、自己想要什么。
海登认真思考了一下，“全景，那我们就使用全景。”海登快步走了起来，在房间里寻找着合适的拍摄角度，“迈克尔，艾玛，停下来，艾玛，你站到厨房里，迈克尔……你，你显得随意一点。你看，我们把整个空间都收入镜头里，站在墙角这里，然后把海莉放在远端，杰夫则在近端，充分利用空间制造出视觉差异，之后再用特写或者近景来捕捉脸部、眼睛的细节情绪变化，利用蒙太奇的剪辑把情绪融入整个空间之中。”
曾经有人如此形容过蒙太奇，如果仅仅只是看到一个人微笑的画面，那么每个人都会有无数猜想；但如果是微笑的画面之后，紧跟着一束花的画面，那么人们就会假设这个人是喜欢花朵而微笑，而紧跟着的是一个爱人的画面，那么人们自然就会假设这个人是沉浸在爱情之中，同样，紧跟着的是一具尸体乃至一次爆炸的画面，那么人们就会认为这个人是恐怖分子或者是变态杀人狂。
这种利用镜头产生联想、利用剪辑达到叙事目的的手法，就是蒙太奇。
现在，海登就是要利用镜头暗示搭配蒙太奇的手法，将猎物与猎人之间的关系呈现出来。
海登所站在的角落，是房子大门的斜对角，站在这里看过去，整个房间是一个竖立起来的长方体，会产生一种空间变大的视觉错觉。然后让杰夫距离镜头近一些，这会让杰夫看起来更加高大，他放松自如的动作也会放大；至于镜头远端的海莉就会显得更加渺小，她的弱势和紧绷也会进一步凸显出来。
但问题就在于……“从头到尾都一个机位吗？这足足有一百二十秒到一百五十秒的镜头。”兰斯微蹙起了眉宇，如果机位长时间不发生变动，这会让观众产生一种“我是旁观者”的错觉，有的电影需要这样的隔离感，但“水果硬糖”却不是，兰斯需要观众被代入海莉或者杰夫的视角，真正成为电影里的一员。这也是原版电影里采用了大量特写的原因——身临其境感十分明显。
“当然不。”海登和兰斯已经合作了四部电影，一下就领悟了兰斯的意思，“我会缓缓地推进镜头，产生一种偷窥的脚步越来越近，最后登堂入室的错觉。”海登走到了屋子的正中央，“我记得剧本里，海莉在厨房调酒的时候，杰夫到房间里播放音乐了，我们可以彩排几遍走位，保证镜头在缓慢推进的过程中，还可以将所有细节都收入眼底。然后等海莉调酒完毕之后，镜头就可以聚焦在她身上，跟随着她的脚步走进屋子里，变成近景或者特写……”
制造出观众与海莉感同身受的错觉——成为猎物。海登完全明白了兰斯的意思，这一段观众必须是猎物，因为这是累积观众对杰夫仇恨的情节，所以，观众需要深刻感受到海莉的不安和焦躁。
兰斯细细地回忆了一下，原版作品之中，这一段大部分镜头都锁定在海莉身上，杰夫则是作为局外人在镜头之外对话，这也是观众始终无法对杰夫恨之入骨的原因。但现在按照这样的拍摄方式，观众完全可以从海莉的视角去观察杰夫——从容不迫、怡然自得的杰夫，杰夫始终在勾/引着海莉，从酒精到音乐，再到摄影，杰夫一直在若有似无地挑/逗海莉。
“你可以从侧面去拍摄海莉，然后在镜头远端，杰夫占据画面主体，最后镜头缓缓拉近，以海莉的视角去观察杰夫的神态，但镜头里不要丢失掉海莉的表现。”兰斯也快步跟了上去，灵感开始源源不断流露出来。
“什么意思？”海登却被绕了进去。
“我是说，这一段，镜头重点是海莉，应该表现出海莉的紧张，甚至是害怕和厌恶，通过这种方式来传递对杰夫的排斥。但画面主角却应该是杰夫，四分之一是海莉，四分之一是背景空间，但剩余二分之一全部都是杰夫，以杰夫的神态、姿势来传递出那种玩弄于鼓掌之间的居高临下之感。”兰斯如此一解释，海登顿时就明白了过来。
“可是……”海登不由有些迟疑，“这对于演员的表演要求很高。”（未完待续。）
613 剧本练习
听到海登的话语，兰斯不仅没有担心，反而还轻笑地摇了摇头，“这不是你需要担心的问题。”海登随即就明白了过来：“水果硬糖”的主角就站在自己的面前，海登不由哑然失笑。
海登在摄像方面是绝对权威，但论起表演，他就是绝对的门外汉了。其实，这场戏并不困难，因为此时的情绪比较单一，杰夫是自如，这样的情况是他最为熟悉的，所以他只需要发散自己的魅力就可以了；海莉是忐忑，她此时正在试图迷惑杰夫，但内心还是有些担心和害怕，所以她是略微显得有些紧绷，但又在努力强装镇定。
整体而言，进入杰夫家之后的前几场戏都延续了这样的氛围，只要抓住情绪特征，表演起来并不困难。这些戏份考验的不是演员的硬实力，而是基本功——情绪表达。兰斯在百老汇待了那么久，这就是入门级的基础训练；而艾伦在这方面也没有任何问题。真正困难的部分，要从海莉揭穿杰夫真面目那一刻才开始。
艾伦站在旁边，从开始的目瞪口呆到现在的全神贯注，这不是她第一次看到导演在现场工作，但这却是她第一次真正感受到导演的才华在眼前铺陈开来。艾伦终于明白了迈克尔刚才在门口的话语是什么意思，眼前的兰斯衣着打扮依旧没有任何变化，但专注于工作之后，浑身上下散发着一种强大的气场，让人忍不住忽略他的外貌、他的打扮，只是在他的牵引之下，进入那个神奇的世界，不由自主地也完完全全地投入其中。
“艾伦。”艾伦第一时间就注意到了兰斯四周搜寻自己的眼神，主动从角落里走了出来，然后快步迎了上去，“我们现在就进行剧本练习，脱离剧本，如果你背不下台词，就按照自己的想法自由发挥，主要这场戏是调整走位，还有情绪捕捉。”
虽然兰斯说的十分简单，但艾伦却知道，这场剧本练习绝对不能掉以轻心。从刚才兰斯和海登的对话就可以看出，现在的练习很大一部分原因，就是需要考察摄像机的走位，比如说距离那么远，摄像机可以将她表演过程中的细节捕捉到吗？再比如说，她如果使用舞台剧的表演方式，在这样的空间里是否会显得太夸张，尺度应该如何把握？
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